Georges Huisman – « Les nouveaux rapports de l’art et de l’État »

À l’occasion du 60e anniversaire du ministère que nous célébrons en cette année 2019, le Comité d’histoire a entrepris la publication de grands textes ayant participé à la construction des politiques publiques de la culture et témoignant de l’histoire longue du « régalien culturel ». Ce projet se traduira par la mise en ligne régulière, au fil de l’année, de textes de différents registres -littéraires, juridiques, politiques- et de différentes périodes historiques -de la Révolution à l’aube de la création du ministère des Affaires culturelles.

Afin d’enrichir ce projet, le Comité recevra avec plaisir vos suggestions à l’adresse suivante : comitehistoire@culture.gouv.fr

 

Georges Huisman,
« Les nouveaux rapports de l’art et de l’État » – 1937
Extrait

[…] Ayons […] la franchise d’avancer que ce grand problème des rapports de l’art et de l’État exigerait en 1937 des solutions immédiates. En réalisant une politique des loisirs, en marquant sa volonté que toutes les classes de travailleurs soient amenées, par étapes successives, à une exacte compréhension de la culture, notre démocratie entend rompre avec des erreurs qui ont trop duré. S’il est évident que la création artistique, comme la découverte scientifique, doive demeurer toujours le privilège d’une élite, est-il, par contre, possible d’admettre que les musées demeurent inintelligibles au peuple et surtout à la jeunesse, que l’art plastique ou musical ne soit pas enseigné à tous, au même titre que le français, que le calcul ou la géographie ? Est-il supportable que la France, terre d’élection de l’art de la qualité, accepte, faute d’un goût suffisamment éclairé, tant de manifestations d’architecture et de sculpture, voire de cinéma qui déshonorent la patrie des cathédrales gothiques et de l’esprit classique ? Telles sont les questions auxquelles il importe de répondre avec impartialité sans doute, mais aussi avec l’ardeur et la conviction que l’art exige toujours quand il s’agit de batailler en son honneur.

À une époque où l’État accroît sans cesse ses attributions et étend son influence sur des domaines nouveaux, nul ne songe plus à vouloir couper les ponts entre l’État et les artistes […]. C’est un fait indiscutable. Mais il est évident aussi que le grand public connaît mal – et apprécie encore plus mal – les efforts de l’État contemporain en matière artistique. Parlez à un français cultivé de l’œuvre présente de la Manufacture de Sèvres : il vous répondra en souriant qu’il apprécie peu ces grands vases bleus-bigarrés, en forme de porte-parapluie et ces animaux en biscuit, parures accoutumées des tables officielles. Et pourtant, la Manufacture de Sèvres poursuit, depuis quelques années un rajeunissement systématique de sa technique, de ses formes, de ses expressions ; certains de ses vases particulièrement heureux, feraient la fortune d’un industriel, mais le public demeure en défiance vis-à-vis des productions de l’État. L’exposition de 1937 permettra sans doute de mettre fin à ce malentendu, car les visiteurs du pavillon particulier de la Manufacture de Sèvres y pourront admirer des réalisations inspirées par des peintres tels que Gromaire, Savreux, Savin, Paul Colin, Anne-Marie Fontaine, Malençon, Charlemagne et par des sculpteurs tels que Laurens, Deluel, Bizette-Lindet, Zadkine, pour ne citer que quelques noms. Après avoir visité ce pavillon, nul ne pourra plus parler sans mentir de la routine traditionnelle de la vieille maison qu’administre Monsieur Lechevallier-Chevignard.

Même défiance ironique et générale en matière de commandes de l’État. Qu’un étranger averti demande à un Parisien familier de nos expositions de le renseigner sur les grands ouvrages que l’État fit récemment exécuter dans ses monuments publics, je doute fort qu’il obtienne des renseignements exacts et favorables à nos efforts pour la peinture moderne. Et pourtant, Bonnard, Vuillard, Maurice Denis et Roussel décoreront le nouveau palais du Trocadéro en attendant d’aller au nom de la France, mettre en valeur par le miracle de leurs pinceaux, la grande salle du palais de la SDN à Genève. Quelques-uns des meilleurs peintres de ce temps ont été chargés de la décoration du Trocadéro : ce sont Dufy, Friesz, de Waroquier, Chapelain-Midy, Dufresne, Luc-Albert Moreau, Planson, Roland Oudot, Céria, Souverbie, Boussingault, Brianchon et je n’en veux citer que quelques-uns. Il est regrettable que, malgré les efforts de l’État, Braque et Derain n’aient pas voulu faire partie de cette équipe. La mise en valeur sculpturale du Trocadéro et des musées du quai de Tokyo, fut confiée à des scuplteurs aussi représentatifs que Bouchard, Janniot, Dejean, Drivier, Wlérick, Poisson, Michelet, Navarre, Pommier, Desruelles, Descatoire, Gimond, Niclausse, Malfray, Vézien et je dois en passer. Dufy (déjà nommé) travaillera bientôt pour l’État à la nouvelle singerie du Muséum où il pourra rivaliser avec les singeries du XVIIIe siècle, cependant que Roussel (déjà nommé lui aussi) se consacrera, à l’Odéon, à ranimer le petit foyer du public. […]

Hélas ! Malgré ce changement radical de méthode, magré ce renversement de la vapeur, l’État continue à faire figure d’amateur aveugle, les yeux fermés, au petit bonheur des recommandations diverses et des influences variées. Ne nous en étonnons point, car l’État a tout fait, et pendant de longues années, pour mériter cette réputation sévère malheureusement justifiée !

Faut-il vous en donner les preuves ? Sans l’énergie de Thiers qui, dès 1822, avait défendu Delacroix dans ses articles du Constitutionnel, jamais le peintre n’eût obtenu les fameuses commandes de la Chambre des députés. Sans Thiers, Delacroix eût toujours été éloigné des commandes officielles et l’artiste a proclamé lui-même sa gratitude dans des lignes qu’il convient de citer : « M. Thiers est le seul homme placé pour être utile qui m’ait tendu la main dans ma carrière. Après ce premier article, dont je n’avais pas pensé à le remercier, tant je croyais que les choses allaient d’elles-mêmes en ce monde, il en fit un autre, tout aussi pompeux au salon suivant, sur Le massacre de Scio. Même insouciance de ma part. J’ignorais même à qui j’étais redevable de tant de bienveillance. Gérard m’invita à Auteuil, où je vis cet ami inconnu, qui ne parut pas du tout étonné de mon peu d’empressement à le rechercher après tout ce qu’il avait fait pour moi. Quand, depuis, il se trouva en situation de m’être utile d’une autre manière, il le fit avec la même simplicité. C’est lui qui me donna à faire, étant ministre, le salon du roi du Palais Bourbon. Il le fit, malgré les avis charitables de mes ennemis, et même de mes amis, qui lui disaient comme à l’envi que c’était me rendre un mauvais service, attendu que je n’entendais rien à la peinture monumentale et que je déshonorerais les murs que je peindrais. »

[…]

L’État n’acheta […] jamais rien à Gauguin et il n’acheta pas davantage à Claude Monet, ni à Daumier, ni à Corot, ni à Cézanne, ni à Degas, ni à Sisley, ni à Pissaro, ni à Carrière, ni à Manet, ni à Van Gogh, ni à Toulouse-Lautrec. M. Pierre Renoir, fils aîné du grand peintre, jugea en 1923 que les Musées nationaux montraient si peu d’empressement à accepter Les Baigneuses que ses frères et lui voulaient leur offrir, qu’il renonça publiquement à son projet de donation. Puvis de Chavannes ne reçut des commandes officielles qu’à la fin de sa vie, et lorsque Castagnary, directeur des Beaux-Arts, acquit pour le Luxembourg Le pauvre pêcheur, il reçut la visite indignée de plusieurs membres de l’Institut, s’élevant contre cet achat.

[…]

Et voilà pourquoi les meilleurs tableaux des meilleurs maîtres, faute d’avoir été achetés à temps, sont partis dans les collections publiques ou privées du vaste monde et voilà pourquoi l’État en est réduit à attendre les générosités, heureusement fréquentes, des mécènes pour faire rentrer dans ses musées des œuvres qui auraient dû y trouver une place définitive dès leur création.

Le mal existe, il faut s’y résigner. Nous devinons bien la réponse qui peut nous être faite ; l’État n’évitera jamais de pareilles erreurs, car le génie naissant n’est point toujours facile à discerner. Et tantôt, nous dira-t-on, l’État laissera échapper des œuvres de jeunesse d’artistes destinés à devenir des chefs de leur génération, parce que certains créateurs mettent fort longtemps à parvenir à la pleine possession de leur talent. Et tantôt, au contraire, l’État, amateur de nouveautés, se laissera séduire par le style volontairement révolutionnaire ou agressif de certains jeunes, dont la maturité ne tiendra pas les promesses de leur printemps, car il ne suffit pas, en peinture, d’adopter une facture révolutionnaire pour avoir infailliblement du génie. À cela, il est aisé de répondre, d’abord que ceux qui ont le redoutable et précieux bonheur d’acheter les œuvres d’art pour l’État se doivent de connaître de très près les cénacles artistiques et d’avoir à côté d’eux une phalange d’amateurs et d’écrivains d’art aptes à les renseigner sur le travail des ateliers sur les révélations des plus petites expositions. S’il est possible qu’un peintre inconnu, privé du commerce d’artistes et de critiques exécute dans une province lointaine des chefs-d’œuvre qui nous échappent, nous ne croyons point qu’il existe à Paris un peintre réellement doué qui n’ait pas encore attiré sur lui l’attention de la presse artistique et du monde des amateurs, tant la production picturale contemporaine est soigneusement examinée et passée au crible par un public vaste et passionné. À l’État de choisir, parmi tant de jeunes pousses. Ses moyens matériels et son crédit spirituel lui en donnent la possibilité et les moyens. En outre, il est encore bien facile d’ajouter que mieux vaut pour l’État acheter en cinq ans quinze toiles d’un artiste qui n’aurait point tenu les brillantes promesses de ses débuts, plutôt que de se désintéresser de la production de jeunesse d’un grand artiste dont les œuvres seront perdues à jamais pour les collections publiques. Pareille mésaventure est arrivée à nos musées qui se sont privées, faute de les avoir achetées à temps, des œuvres de début d’un Derain, d’un Friesz, d’un Léger, d’un Braque, d’un Matisse, d’un Picasso, et qui risquent de ne les retrouver jamais. Et comme l’a dit si bien Delacroix : « Il faut toujours parier pour le génie. »

Songez à l’enrichissement matériel et plastique que de telles acquisitions, judicieusement effectuées, eussent apporté au patrimoine de l’État. Et songez aussi à la tranquillité et à la confiance que l’État procure à de jeunes artistes en leur accordant aujourd’hui une sollicitude qui fut si injustement refusée à leurs aînés.

[…]

Lorsqu’en octobre 1750, M. de Tourhahaim, directeur des Bâtiments du roi, ouvrit les galeries du Luxembourg au public, par ordre de Louis XV, il avait le dessein d’offrir à la compétence des peintres et à la curiosité des étrangers, la contemplation de tant de chefs-d’œuvre du passé jusqu’alors ensevelis dans l’obscurité des petites pièces de Versailles. Trop longtemps, nos musées sont restés fidèles aux principes de cette organisation ancienne. L’effort magnifique qui vient d’être accompli au Louvre par MM. Verne, Jaujard, Ferran et les conservateurs des différents départements a permis de révéler à d’innombrables visiteurs ce que devait être un musée Moderne, où des œuvres judicieusement choisies, intelligemment exposées, s’offrent de jour et de nuit à l’admiration du grand public. Mais comme le disait Georges Henri-Rivière, dans le dernier numéro de L’Amour de l’art, il faut résolument songer au « nouveau destin des musées de France ». Après avoir créé des musées au XVIIIe siècle pour l’élite, au XIXe siècle pour la bourgeoisie, il faut maintenant entreprendre l’organisation des musées pour le peuple, qui les ignore et qui n’en a jamais pris régulièrement le chemin. Nous avons commis, dans ce domaine, de bien lourdes erreurs et il est tout juste temps de les réparer. Centralisée à outrance, la France a accumulé ses trésors artistiques dans ses musées parisiens et elle n’a point encore accompli, pour ses musées de province, un effort analogue à celui de l’Allemagne, de l’Angleterre, de l’Italie ou des États-Unis. « Auprès de trente-quatre millions de Français, écrit Georges-Henri Rivière, six millions de Parisiens peuvent être des privilégiés de la culture. Il n’en est point ainsi dans aucun pays d’Europe ou du Nouveau Monde. »

Il faut pleinement souscrire à ces paroles. Nous avons créé surtout des musées d’art et nous avons négligé les musées de science ou de technique. Le Muséum, le musée de l’Homme, le Conservatoire des arts et métiers sont des établissements admirables mais eux aussi sont strictement réservés aux Parisiens. Nous n’avons pas constitué des musées de plein-air dont la Hollande, les pays scandinaves, l’Europe centrale nous offrent d’innombrables spécimens. Et nous n’avons surtout pas voulu admettre que les musées puissent être visités par des curieux sans prétention préalable qui devraient y trouver des documents historiques, géographiques, anecdotiques, susceptibles de les aider à comprendre plutôt qu’à admirer de confiance. Il y a là une œuvre immense à accomplir et il faut la réaliser sans tarder.

Le premier travail consistera à réorganiser les musées de province dont le plus grand nombre surchargé d’œuvres de valeur inégale se prête mal à l’instruction et à la culture des populations locales. Si quelques grands musées de province pourvus d’un personnel scientifique excellent et de crédits suffisants rivalisent en valeur avec les plus belles collections parisiennes, la majorité des musées des petites villes ne tient point dans la vie artistique du pays la place que ces établissements devraient occuper. Le musée de province, digne de ce nom, doit se prêter à la culture de la jeunesse, à l’éducation des adultes, à la formation technique et artistique de l’ouvrier comme de l’artiste, à la distraction des amateurs. Mais combien de musées de province sont-ils en état de remplir une telle mission ? Il faut bien y arriver par des efforts persévérants et M. Robert Rey, qui a fait ses preuves au Luxembourg et à Fontainebleau, a clairement compris la grandeur sociale d’une telle entreprise. À l’heure présente, le modèle de ces petits musées de l’avenir nous est offert par la ville de Cambrai où, depuis la guerre, un conservateur incomparable, M. Ernest Gaillard a réalisé une œuvre qui fait l’admiration de tous les connaisseurs. Du vieil hôtel qui lui était attribué, M. Gaillard a commencé par éliminer les tableaux et les sculptures sans valeur, ce qui lui assura aussitôt, vous l’imaginez sans peine, de solides inimitiés locales. À l’aide de moulages, de photographies et d’originaux, il a réorganisé son musée dans des conditions telles, qu’en quelques visites, jeunes gens ou adultes peuvent se faire une idée exacte de la formation et de l’évolution de la sculpture française. Grâce à des dons de l’État, l’art contemporain est assez brillamment représenté pour que les habitants de Cambrai puissent percevoir les véritables caractères de la peinture d’aujourd’hui. Enfin, en réunissant dans un petit bâtiment séparé des vieux témoignages d’art local, menuiserie, serrurerie, ébénisterie, le conservateur a permis aux ouvriers de Cambrai de prendre des leçons permanentes par le miracle desquelles s’unissent en eux le sens de la technique nouvelle et l’amour respectueux du passé. Mais tant d’efforts, bien méritoires, auraient été vains si M. Gaillard n’avait amené les habitants de Cambrai à venir régulièrement au musée. Par des conférences, par des expositions, par des promenades dirigées – et le conservateur se multiplie pour accomplir tant de tâches diverses – , le musée est devenu le foyer d’art de la ville et il rayonne sur la campagne et sur les cités environnantes. Lors de l’exposition de tableaux hollandais, organisée ces derniers mois à Cambrai par le Musée du Louvre, toutes les classes sociales, tous les groupements professionnels, syndicats, ouvriers, écoliers, séminaristes, instituteurs, sont venus s’initier à l’art hollandais sous la conduite de M. Gaillard qui reçut même un jour la visite de Belges et de Hollandais arrivant directement de leurs pays, en autocar, jusqu’à son musée. J’ai insisté à dessein sur ce musée modèle, car il mérite d’être connu et visité en détail : c’est l’exemple à offrir aujourd’hui à tous les jeunes conservateurs soucieux de transformer un musée sans action en véritable foyer de culture.

[…]

La France, qui fut si longtemps la patrie du goût, et qui imposait ses créations à tout l’univers, n’a pas fait depuis cinquante ans, tout ce qui était en son pouvoir pour demeurer le pays de la qualité. Le goût public s’est abâtardi. Ceux qui ont la pratique des jurys constatent, avec tristesse, que trop souvent le projet de monument ou de statue qui recueille la majorité des suffrages est loin d’être le meilleur, les industriels vous avoueront qu’entre deux modèles courants, d’un objet fabriqué, les acheteurs sont fréquemment attirés par le plus laid. La majorité des passants d’une grande ville n’est point choquée par trop de statues invraisemblables qui décorent les places publiques, car si elles partageaient l’imagination des critiques d’art, irrités par ces permanents défis à la beauté, les croisades périodiquement prêchées contre la laideur eussent porté leurs fruits depuis longtemps. Ni l’indigence ni la pauvreté de certaines compositions architecturales n’arrivent à exciter les protestations des petits-fils de ceux qui construisaient des cathédrales gothiques. Le goût public subit une crise et pourtant la mode française continue à dominer le monde, et nos peintres, nos sculpteurs, nos compositeurs sont, sans discussion possible, les mieux doués de tout l’univers.

La maladie n’est donc pas incurable et son diagnostic s’établit sans difficulté. Ce peuple qui jadis, au temps de la douceur de vivre appréciait, dans une même jouissance artistique les toilettes des petites bourgeoises, les tableaux des salons de Diderot, les meubles des ébénistes et les fleurs des parterres des Tuileries, a simplement oublié que le beau s’apprenait comme la grammaire ou les langues vivantes. Il a négligé l’enseignement de l’art, tant il était sûr de sa supériorité en la matière et il n’a pas compris que le goût, comme le corps, exigeait des soins constants et une discipline attentive. Le remède est facile et nous l’avons sous la main : il consiste simplement à réorganiser, de fond en comble, l’enseignement artistique qui doit être obligatoire, imposé à tous les âges, dans tous les ordres de l’enseignement.

Les sceptiques répliqueront bien vite que c’est là une étrange prétention et que l’art ne saurait jamais constituer une matière d’enseignement. Quelle erreur ! Sans doute, il ne s’agit point d’introduire à l’école primaire les théories de Platon et de reprendre la dialectique de Socrate qui, dans l’Hippias majeur, se joue de son interlocuteur en essayant de définir la beauté par la confrontation successive d’un visage de jeune fille, d’une cuiller de bois, d’une cavale, d’une statue de Phidias et d’une marmite. Mais l’enfant est parfaitement capable de voir et de discerner le beau du laid si des maîtres attentifs s’appliquent à cette éducation spéciale en développant ses qualités de précision, d’observation, d’imagination. Le goût que les femmes françaises, même des conditions les plus modestes, apportent à s’habiller et à se parer nous démontre que le sens du beau demeure, fort vivace. Il s’agit donc pour l’État d’organiser sans retard tout un programme d’enseignement artistique indispensable à la renaissance du goût français. Sans goût, pas de qualité, et la production industrielle française, dont dépend la vie matérielle de toute la classe ouvrière, serait condamnée à une disparition prochaine si elle ne parvenait pas à s’imposer à tous par une exceptionnelle qualité. Ainsi l’enseignement artistique, distribué par l’État, n’entend point seulement former des peintres et des sculpteurs. Il a l’ambition surtout de constituer un des plus précieux rouages de l’économie nationale.

[…]

Lorsque l’enseignement artistique, judicieusement conçu, méthodiquement appliqué, aura été suivi jusqu’à la fin de leurs études secondaires ou primaires, par tous les enfants sans exception, le nombre des peintres et des sculpteurs – rassurez-vous – ne se trouvera point accru, mais le goût public entrera bientôt en convalescence et sera bientôt guéri. Il ne s’agit pas – redisons-le nettement – de transformer la France en une forcerie d’artistes, mais de faire comprendre le beau, de faire haïr le laid et d’assurer à tous ceux qui passent par l’école ou le lycée, l’exacte intelligence de la précision, de la clarté, de la qualité. Si de nombreux enfants ainsi cultivés veulent entrer dans les écoles artistiques spéciales tant mieux pour la cause de l’art, mais le résultat essentiel que nous attendons d’une rénovation profonde de l’enseignement artistique, c’est la renaissance définitive du goût public, aussi indispensable à la démocratie que l’instruction ou le pain.

Les enfants qui sortiront de l’école en sachant dessiner et regarder deviendront les visiteurs habituels des musées et des monuments. Les enfants qui auront appris à l’école à chanter en cœur et à lire leurs petits recueils de musique, comme les livres de leur bibliothèque, conserveront l’amour des rythmes musicaux et ils auront envie d’aller au concert ; ils éprouveront le désir de jouer leur rôle dans de petits orchestres.

À quoi bon les loisirs et la limitation des heures de travail, si l’État n’en profite point pour préparer les générations nouvelles à profiter d’une culture que la richesse artistique de la France et que le talent de ses créateurs peuvent leur distribuer avec tant de magnificence ? Vous constatez donc, qu’ainsi posé, le problème de l’enseignement artistique constitue un aspect essentiel des nouveaux rapports de l’art et de l’État. Et au moment précis où un ministre jeune et courageux, entreprend avec tant d’énergie et de décision de reconstruire, depuis sa fondation, l’édifice de l’Éducation nationale, on peut nourrir le ferme espoir que M. Jean Zay voudra mettre l’enseignement artistique sur le même plan que les autres disciplines pour le plus grand profit de la culture de notre pays.

Réfléchissons aux bienfaits multiples qu’une telle réforme de l’enseignement artistique nous apporterait promptement. Les jeunes gens ayant appris à dessiner et à regarder auraient l’ambition de se perfectionner davantage et ils s’en iraient nombreux dans les écoles régionales des Beaux-Arts qui existent dans nos provinces. Jusqu’à présent, ces écoles ont été dotées de crédits si médiocres que leur rayonnement fut précaire. À la dernière souscription du Budget, à la Chambre des députés, M. Louis Marin remarquait que de 1880 à 1937, le coefficient d’augmentation de ces grandes écoles est de 8,5 %, contre un coefficient d’augmentation de 103 % à l’enseignement technique et de 62 % aux établissements de l’instruction publique.

La situation de ces écoles étant améliorée, leur public scolaire augmenterait. Le goût de l’art deviendrait aussi normal dans une petite ville que le désir d’aller assister à une course de bicyclettes ou à la projection d’un film. Les artistes véritables y trouveraient aussitôt leur compte, car les amateurs d’art réclameraient la vision d’expositions de peinture et de sculpture, comme les lecteurs assidus désirent fréquenter les librairies ou les bibliothèques. La décentralisation artistique rapidement réalisée assurerait aux artistes en province une attention égale à celle qu’ils rencontrent à Paris, et les artistes vendraient leurs œuvres à des amateurs de province peut-être plus sûrement qu’aux amateurs de Paris. Les musées provinciaux trop souvent déserts, seraient fréquentés en dehors des jours de pluie. Le sens de l’art se répandant à travers le pays, les réalisations d’urbanisme auraient bien vite cause gagnée. Les villes consentiraient à faire étudier attentivement leur plan d’embellissement et elles préféraient employer des architectes de valeur plutôt que des constructeurs improvisés. Il ne paraîtrait plus chimérique et inutile de défendre nos monuments historiques, vestiges admirables de la vieille France, et nos pittoresques paysages contre les empiétements de la publicité, des lotissements et de l’électricité. Peu à peu, la France reviendrait au respect unanime des choses de l’art qu’une longue indifférence avait mis en péril. Et nous serions, à nouveau, la vraie patrie du goût du beau et de la qualité. Faisons-nous donc un trop beau rêve ? Nous laissons-nous aller à des illusions ? Nous ne le croyons point, mais pour que ce miracle s’accomplisse, il convient que le réajustement des divers ordres de l’enseignement artistique prenne place aux côtés des préoccupations dominantes de l’État.

HUISMAN Georges, directeur des Beaux-arts (1934-1940), « Les nouveaux rapports de l’art et de l’État », Europe, Paris, juin 1937, p.145-172.
Source : HAL – https://docplayer.fr/56849695-Place-pour-etre-utile-georges-huisman-a-la-direction-generale-des-beaux-arts.html (p. 413)

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